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Falta menos de una hora para que The Gathering enfrente una vez más el escenario del Teatro Caupolicán. La nueva cantante, Silje Wergeland, nos recibe en su camerino para una breve entrevista. Le acompaña René Rutten, quien nos saluda y abandona la habitación. Ella, de una calidez admirable, nos ofrece algo para beber y revisa el frigobar en búsqueda de un par de cervezas. “Cheers!, ¡salud!”, dice, mientras choca su vaso con las latas de estos reporteros.

La intérprete noruega viajó 23 horas para aterrizar en Chile donde ofrecerá un concierto benéfico en ayuda de las víctimas del terremoto y posterior tsunami del 27 de febrero. Esta devastadora circunstancia es también la que la introducirá entre los seguidores locales de la banda holandesa, quienes desde la primera visita en 2004 han establecido una estrecha y afectuosa relación con los músicos.

- ¿Qué conocías de Chile antes de emprender este viaje?
- Sé que Chile tiene una de las costas más extensas. Creo que es la segunda más larga después de Canadá. Tengo algunos amigos de Valparaíso y Gema, ya sabes, la novia de René, es de Santiago. Había oído sobre los viajes de The Gathering también.

- ¿Cómo ha sido la experiencia de esta visita hasta ahora?
- Fantástica, increíble. Desde que bajamos del avión ha sido muy agradable. De hecho conocimos a unos fans chilenos en París y a otros en el avión. Todos son muy simpáticos y el clima es hermoso. ¡Me gustaría permanecer un poco más antes de regresar a casa mañana!

- Ayer hicieron un show acústico, ¿podrías contarnos más al respecto?
- Por supuesto. Tocamos en Radio Futuro ante gente muy agradable, muy dulces. Interpretamos tres canciones: “No One Spoke”, “Treasure” y un cover de la banda Bat For Lashes llamado “Daniel”. Había fans de The Gathering, pude conocerlos y les contamos un poco sobre hoy día.

- ¿Cómo decidieron organizar este concierto benéfico en Santiago?
- Habíamos hecho dos shows en Grecia cuando ocurrió lo del terremoto. Gema -Pérez, chilena, novia de René- estaba con nosotros y pudimos ver cuan duro fue no saber nada de su familia durante días. Es muy fuerte. Una cosa es lo que ves por televisión y es muy diferente cuando alguien cercano está involucrado. Se convierte en una historia personal y es mucho peor. Fue idea de René “hagamos esto” y todos dijimos inmediatamente “sí, hagámoslo”. No es solo para recaudar dinero, sino también para pasar una velada agradable. The Gathering ha estado aquí algunas veces y siempre ha sido recibido muy bien, con los brazos abiertos, por eso grabó un DVD en vivo en 2007. Es como nuestro segundo hogar.

- Hay muchas bandas en el mundo que elogian al público chileno, pero ninguna de ellas ha decidido venir a tocar gratis. ¿Qué piensas de aquello?
- En verdad no tengo ninguna opinión sobre las otras bandas. Es un viaje largo, 23 horas. Y luego tienes que permanecer aquí y después regresar. Poder organizar esto fue un montón de trabajo y mucha preparación. Es muy agradable ser capaz de hacerlo, pero no quisiera decir nada acerca de otras bandas.

“HE RECIBIDO UNA MUY BUENA RETROALIMENTACIÓN”

- ¿Cómo ha sido este tiempo como vocalista de The Gathering?
- Ha sido muy estimulante, de trabajo duro, muy positivo y satisfactorio. Mucho mejor de lo que esperaba.

- ¿Te has sentido cómoda interpretando los temas de la época de Anneke?
- Sí. Si no hubiera querido cantarlos, no lo habría hecho.

- ¿Cuál de las canciones antiguas te gusta más?
- No tengo una favorita. Me gustan todas de distintas maneras. Además son diferentes. Algunas son muy poderosas, con otras casi puedes bailar y “Leaves” es más una canción de rock. Escucharlas y cantarlas son cosas muy distintas.

- ¿Cómo ha sido la recepción del público?
- Buena. Por supuesto tú nunca puedes ser la original. The Gathering escogió seguir con el nombre y era natural conservar las canciones antiguas. Para mí, si pienso por ejemplo si Metallica tuviera un nuevo cantante, me gustaría que también cantara las canciones antiguas. Puedes intentarlo y no cambiarlas demasiado. A algunos les gusta, a la mayoría, he recibido una muy buena retroalimentación, pero no puedes complacer a todos.

- ¿Tienes alguna favorita de “The West Pole”?
- Sí, me encanta “No Bird Call”, es una de mis favoritas. Es muy emocional.

- ¿Interpretas “Capital Of Nowhere” y “Pales Traces” también (cantadas en el álbum por Anne Van Den Hooden y Marcela Bovio, respectivamente)?
- No, no lo he hecho aún. Quizás pronto.

- The Gathering tiene una fuerte base de seguidores que escucha metal principalmente. En Chile, por ejemplo. ¿Sientes que la banda aún mantiene una conexión con ese género?
- Sí. La primera impresión nunca se borra. Y ellos fueron metal durante mucho tiempo. Los dos primeros álbumes fueron doom y luego vinieron Mandylion y Nighttime Birds, que también fueron crossover. Los fans del metal son muy leales, pero también tienen opinión. A veces son cerrados de mente, pero les gusta la música. Se preocupan por la música, para ellos significa algo, están allí por la música y no porque es cool. Quizá unos pocos (ríe). Lo sé porque también organizo un festival en Bergen -su ciudad natal, en Noruega- y puedo ver a los fans. Puedes ver la diferencia entre los verdaderos fans, la mayoría lo es, y quienes no lo son. Conocen las letras. Si vas a un concierto de pop las letras no importan. Es cool porque está en la radio. Los fans del metal son leales de muchas maneras, pero también son muy difíciles de complacer.

En este punto René se integra a la conversación y adelanta que ya compone para un nuevo álbum de la banda. “No hay una fórmula para componer. Nuestra música son cosas que pasan en la vida, que te pasan a ti mismo, esa es la inspiración para hacer música. Sería muy aburrido hacer siempre exactamente lo mismo. Así es más o menos como trabajo. Después de tocar en Chile tendré mucho material para escribir algo al respecto. Pasaré dos semanas aquí”.

- René, ¿cómo ha sido este tiempo con Silje en The Gathering?
- Más o menos, afirma mientras sonríe de manera pícara y mueve su mano izquierda de manera oscilante. Realmente bueno. Nos estamos convirtiendo cada vez más en un solo equipo, más juntos, que es lo que una banda es. Cuando no es una banda, son músicos de sesión o lo que sea, tú lo sientes. Hay una química en la música, incluso en la vida. Silje es buena. Incluso siendo de Noruega y nosotros de Holanda.

- ¿Es difícil para funcionar como banda vivir en países distintos?
- Si espontáneamente dices “¡ensayemos ahora!”, entonces tienes un problema. Pero todo lo demás lo planificamos y funciona muy bien.

- ¿Es complicado viajar con tanta frecuencia?
- No es complicado, responde Silje. Te cansas de viajar, pero te acostumbras. En Holanda tengo un lugar muy agradable donde permanecer, en el departamento de Frank y su novia.

- Muchas gracias por su tiempo. ¿Algunas palabras para los lectores de Ciudad Metal?
René: Disfruta cada cosa en la vida, incluso aquellas que no puedes controlar.
Silje: ¡Nunca digas nunca!

Fotos por Sergio Evans

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El concierto de Blaze Bayley parecía ser otra buena oportunidad para escuchar clásicos de Iron Maiden en vivo, como lo fue, o iba a ser, el show de Paul Di’Anno de hace algunos días. Sin embargo, el espectáculo que ofreció el inglés fue mucho más que un recuento de clásicos de la doncella y se transformó en un despliegue de energía e interacción con el público que dejó a todos los asistentes más que satisfechos.

Pero nada es perfecto. Si bien el show estaba programado para las 21, los nacionales de Concerto sólo salieron a escena a eso de las 22.15, algunos minutos después de la apertura de puertas. Aunque su presentación fue sólida y sus músicos demostraron una increíble calidad, no lograron encender a una audiencia respetuosa pero aburrida luego de la larga espera, y que al poco andar pedía la aparición de Bayley. La excelente ejecución de este quinteto duró cerca de 40 minutos, cuando la expectación por el acto principal crecía.

A las 23.30, los músicos de Bayley aparecen en el escenario desatando la euforia de un público que, hasta ese entonces, se habría podido definir como muy tranquilo. “Madness & Sorrow” fue el primer corte y ya se podía notar la fuerza que Blaze entregaría durante el concierto, interactuando con los fans en el borde mismo del escenario, actitud algo temeraria que por fortuna no terminó en nada malo.

“¡Santiago, déjenme ver sus manos!” pedía Bayley y el público no dejaba de aplaudir. El segundo tema, “Voices From The Past”, fue coreado por todos los asistentes, agradeciendo las palabras del cantante que aseguraba que era “un honor estar de vuelta en Chile luego de tantos años”. “City of Bones” fue el siguiente corte y Blaze no paraba de moverse por el escenario a pesar de su estrechez, y de hacer participar al público y sus músicos. Sin detenerse a descansar, suenan “Waiting My Life To Begin” y “Smile Back At Death”, destacando la calidad de los instrumentistas y el carisma mostrado hacia los fans.

Bayley parece una máquina en escena y en momentos recuerda a Ozzy, por sus expresiones faciales y su manera de aplaudir, y las sonrisas en las caras de algunos fans demostraban que también ellos notaron la similitud. Su voz sigue sonando con la fuerza de siempre, llegando a tonos altos sin señales de esfuerzo o cansancio. Pero él no quería cantar solo y, gracias a lo pequeño del local, Bayley veía a quienes no estaban aplaudiendo o cantando y ¡los apuntaba hasta que conseguía una respuesta!

Antes de presentar “Blood & Relief”, Blaze deja claro que ellos estaban ahí debido a que los fans creen en ellos, a lo que el público responde con otra ovación. “The Launch” suena a continuación, manteniendo las revoluciones de una presentación no apta para cardiacos.

“LA DONCELLA”

Pero faltaba la doncella, las canciones de Iron Maiden que consagraron a Bayley como un gran intérprete. “Lord Of The Flies” fue una nueva inyección de energía, que sorprende al inglés quien se muestra agradecido por tan cálida recepción. Los acordes de “Futureal” sonaron en seguida, pero nadie mostraba signo alguno de cansancio o aburrimiento.

Había que bajar un poco las revoluciones, y Bayley aprovecha de hacer un discurso sobre lo importante que es no dejar que nadie guíe nuestras vidas, que nadie nos imponga en qué creer o qué hacer. “Ustedes deben decidir sobre sus vidas, ¡ustedes eligen qué escuchar!” es el final apoteósico para esta especie de declaración de principios, que va unido a “Letting Go Of The World”.

Blaze dedica “The Brave” a todos los seguidores que llegaron hasta el Rock & Guitarras, por apoyarlo y hacer de esa una noche especial. El calor humano, y la falta de ventiladores, comenzaron a hacerse sentir, y en “Leap Of Faith” finalmente se quitó la camisa, dejando en claro que los años pasan tanto por su vida como por su estómago. Pero esto no lo avergonzó para nada, y al contrario, bromeó diciendo que ahora tenía el “físico de un hombre de verdad”, no como cuando sacaron el álbum Virtual XI donde era más joven y delgado. Al mencionar el disco, todos supieron que venía el tema que estaban pidiendo, “The Clansman”, con las voces de la audiencia casi apagando la de Bayley. “Man On The Edge” va pegada y parecía que el local iba a estallar con tanto canto y saltos. Tan eufórico estaba el público que un fan consiguió subirse al escenario, pero a Bayley no le hizo ninguna gracia y, tomándolo del pelo, lo lanzó hacia abajo, causando las risas del resto de la fanaticada.

Al parecer, a este inglés le gusta aprovechar las instancias de los conciertos para entregar diversos mensajes a sus fans, y esta ocasión no fue diferente. Similar a lo que había dicho unos minutos antes, Bayley dejó claro que nadie los manda ni les dice donde tocar; ellos son dueños de sus vidas y no pertenecen a compañías que les roban a los fans, lo que por supuesto provocó un estallido de aplausos por parte de los eufóricos asistentes. “Robot” fue el corte que puso la guinda de la torta a este pequeño discurso, con el que cerraron una excelente presentación.

Pero en menos de cinco minutos, vuelven al escenario lanzando cerveza, mientras Blaze invita a todos a “olvidarse de mañana, olvidarse de más rato, sólo vivir el presente y disfrutar”, que da paso al que sería el último tema de la noche, “Kill & Destroy”. Cerca de la 1.20, Bayley y compañía finalizan un show lleno de energía y entrega absoluta a los fans. Quienes se quedaron en el Rock & Guitarras tuvieron una sesión gratis de meet & greet, pues Blaze, agradecido, se tomó fotos con ellos y les firmó discos y entradas. En verdad fue un espectáculo que tal vez no tuvo la promoción adecuada, tal vez demandó una espera algo excesiva, pero dejó a los asistentes con la sensación de haber participado de una presentación impecable y llena de fuerza.

Por Isabel Mallea
Fotos por Alan Aracena

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“Chi-chi-chi, le-le-le, viva Chile”, repetía la relajada bajista de The Gathering antes de retirarse del escenario de un Teatro Caupolicán atestado de devotos fanáticos de banda holandesa. El gesto refleja la simbiótica relación establecida entre los músicos que visitaron el país por primera vez en 2004, lo repitieron en 2006 y 2007, cuando registraron un DVD, y reincidieron, esta vez en formato benéfico, apenas supieron de la reciente catástrofe.

Muchas cosas han cambiado en el entretiempo. Chile intenta reponerse de un cataclismo que fracturó sus cimientos, o puso de manifiesto cuan débiles eran, mientras The Gathering regresaba al ruedo luego de un receso provocado por la dimisión de Anneke Van Giersbergen, la talentosa mujer junto a quienes compusieron algunos de los más sublimes pasajes del rock atmosférico y consolidaron un estrecho nexo con esta fracción de tierra al sur del mundo.

No obstante, a las 21 horas del domingo 11 de abril la magia emanada de la música de los holandeses demostró que permanecía inalterable. La mística de los europeos llenó todos los espacios cuando los hermanos Hans y René Rutten interpretaban la energética e instrumental “When Trust Becomes Sound”, con el público ovacionando a rabiar a medida que los demás integrantes se incorporaban en sus respectivos puestos.

Silje Wergeland, la noruega de Octavia Sperati, ingresó acariciando las teclas de un piano, mientras dedicaba su grácil sonrisa al público que asistía a la velada por la cual la banda no cobró ni un peso de honorarios. “No One Spoke” fue su debut ante los chilenos. Y la cantante de profundos ojos azules deleitó a la audiencia chilena con un timbre tan dulce como el de su antecesora, pero también muy personal.

La delicadeza y la capacidad emotiva se mantienen. Aunque no es fácil calzar aquellos zapatos, la elección de The Gathering no pudo ser más acertada. A ratos parecía que era la propia Anneke, por la similitud de ambas voces y el sortilegio en que envuelven al público gracias a su sola interpretación. “In Motion #1”, “Leaves”, “Analog Park”, “On Most Surfaces” y “Saturnine” sonaron tan directo a los sentidos como siempre y fueron cantados a coro por una entusiasta audiencia.

Silje ofreció una notable presentación de los temas de su primera placa junto a The Gathering. “A Constant Run” y “All You Are“, por ejemplo, crearon instantes animados, en tanto “No Bird Call” generó un momento tan íntimo y melancólico que se perfila como un nuevo clásico en esa veta. De hecho, la intérprete lo dedicó a quienes sufrieron el drama ocasionado por el sismo del pasado 27 de febrero.

Además de la taquilla que será canalizada a la víctimas a través de Cruz Roja y Chile Ayuda, el espectáculo generó sobre un millón de pesos para la Corporación Nacional de Pescadores Artesanales de Chile (Conapach), en específico la caleta de Pichilemu, mediante la rifa de una guitarra marca Eastwood propiedad de René, poleras, discos autografiados y cinco meet and greet dobles válidos una vez terminado el concierto.

En el hall de acceso una convincente dirigenta de los pescadores alentaba a los asistentes a comprar adhesiones por un mínimo de mil pesos. Ella misma subió al estrado a agradecer a la banda, de quienes es probable no haya tenido noción de su existencia por lo que saludó con un simpático “The Jatering”, y efectuó el sorteo junto a personas del fans club chileno. El show continuaba para concluir con “Travel”, las reverencias, los adioses y el “ce-hache-i” de Marjolein.

Cuando estrellas del pop donaban un mezquino porcentaje de sus ganancias, The Gathering dio lección de nobleza al montar en tiempo récord un show que en otras circunstancias hubiese demorado meses. Lo rockeros holandeses, a diferencia de tantos que vociferan amor por esta nación quedándose solo en sus vacías palabras, ha logrado empatizar con el dolor ajeno, una cualidad que explica con holgura las honduras de su música.

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El año de conciertos recién arranca, pero la vital performance de Overkill ya ingresó a la lista de los shows más memorables del bicentenario. Sí, porque se trata nada menos que de una banda pionera del thrash metal de comienzos de los noventa y que debía visitar el país hace rato. Aunque reconozco que no soy fanático, desde que ejecutaron los primeros riffs de “The Green and Black“, y se nos vino encima un murallón de guitarras que destrozaban por su potencia y nitidez, intuí que sería uno de esos recitales imperdibles.

El público, en su mayoría fans acérrimos de la banda, gritaba la líricas tema tras tema, como sucedió en su segundo corte, “Rotten to the Core”, extraído de su disco debut de 1985, cuando estos tipos dieron con la alquimia exacta de estilos que definirían el thrash: una buena dosis de heavy metal, algo de hardcore punk, una batería veloz y guitarras súper agresivas.

En verdad es impagable asistir a semejante muestra de entrega y energía sobre el escenario, una que contagió a cada instante a los asistentes manteniéndolos atentos a todos los detalles. Es que da gusto ver a un frontman que mantiene intacto su característico timbre de voz y que luego de un mensaje de apoyo tras la reciente catástrofe nos dice “Chile es más fuerte que el terremoto”, ganándose el afecto de toda la audiencia. En momentos en que andamos algo sensible, gestos de este tipo dentro de la música que amas te conmueven. No todo está perdido, no todo se ha transformado en sucias formas de hacer dinero.

Overkill continuó el viaje a través de su discografía revisando todos sus álbumes. Fue un show pensado para los incondicionales de la banda y según pude testear dejó a todos felices en una presentación de más de una hora y media de duración. A mitad del concierto presentaban dos cortes de su último disco, “Ironbound”, que está bastante poderoso y pesado. Se acercaba la primera hora de show y lanzaban “Overkill”, el cover de Motörhead, y el clásico “Elimination”, para retirarse al descanso antes de la estocada final que acabaría con cortes del mejor punk rock en “Old School” y el clásico “Fuck You”, que cerró de manera majestuosa este esperado show.

¿El balance? Ciento por ciento positivo: gran local, excelente sonido, buenas luces, público de lujo y una banda que demostró estar más vigente que nunca.

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Por Sergio Evans

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Favorecida con largos cabellos color azabache y una cautivante piel mate, la vocalista de Elysion parece destinada a convertirse en un nuevo ícono sensual dentro del rock gótico. Pero confinarse solo a la saludable apariencia de Christianna sería subestimar el potencial de su banda, un cuarteto formado en Grecia y que ya en el primer álbum establece que lo suyo es el metal de estribillos pegajosos digerible por amplias audiencias.

La carrera de Elysion tuvo una partida auspiciosa, cuando su debut discográfico fue escogido “demo del mes” por la revista Metal Hammer. Luego servirían como acto de soporte para The Gathering y Christian Death y la bella Christianna sería invitada a cantar junto a Fernando Ribeiro, de Moonspell. En la siguiente entrevista, la intérprete relata esta breve, pero prometedora biografía, su aporte al gothic metal y el ascenso de la escena extrema en Grecia.

- Ustedes son bastante nuevos en la escena, ¿podrías contarnos sobre sus inicios y la historia hasta ahora?
- Para comenzar, hola a todos y gracias. Nuestra historia parte en 2006 cuando Johnny Zero y nuestro anterior cantante, Maxi, crearon Elysion. Fxf, nuestro bajista, y Petros Fatis, el baterista, se unieron a Elysion de inmediato y el viaje comenzó. Después de un importante número de presentaciones, una increíble retroalimentación y la grabación de nuestro demo, Elysion fue bendecida para firmar un contrato discográfico con Massacre Records e iniciar las grabaciones del álbum debut. Ese fue el momento en que ingresé a la banda, formando la alineación final como permanece hasta ahora. En este momento estamos muy entusiasmados respecto a nuestro álbum debut llamado “Silent Scream”, lanzado un par de meses atrás, y estamos a punto de comenzar un tour y ¡compartir toda nuestra energía con todos!

- ¿Cómo describirías Elysion para la gente que no los ha oído antes?
- Bueno, no intentaré etiquetar lo que tocamos, pues es una combinación de metal atmosférico y gótico con elementos de rock y electro. Lo que tenemos es un sonido simple, sencillo pero poderoso, con un enfoque muy emocional tanto en la música como en las letras. Para nosotros, nuestra música es como un rayo de luz ocultándose en una habitación oscura.

- “Silent Scream” presenta altos estándares y Elysion parece una banda con potencial suficiente para alcanzar el éxito en Estados Unidos. Me recuerdan mucho a Lacuna Coil. ¿Ese sonido rockero pegajoso fue intencional?, ¿tienen en sus planes promover su música allí?
- Gracias por todas las observaciones. En realidad nunca intentamos sonar de una cierta manera, solo nos expresamos a través de nuestra música y ¡éste es el resultado! No creemos en recetas, la música es todo sobre sentimientos así que mientras permanezcamos fieles a nosotros mismos estaremos más que felices. La referencia a Lacuna Coil es ciertamente un halago, sin embargo lo que deseamos es establecer nuestra propia identidad musical y ser aceptados por ello. Elysion presenta influencias tanto americanas como europeas. Quizá un enfoque global americano en nuestra producción sea resultado del increíble trabajo de Ted Jensen, quien tuvimos el honor de que colaborara en “Silent Scream” y fue definitivamente un momento por el que estamos extremadamente agradecidos. Definitivamente sería grandioso triunfar en América. En efecto, a fin de año y después de que hayamos completado el tour europeo, hay bastantes posibilidades de que visitemos América, pero aparte de eso nuestra meta principal es comunicar nuestra música en cualquier lugar, no importa cuan grande sea el mercado. ¡Compartir nuestros sentimientos con todos en los shows en vivo es para lo que vivimos!

- ¿Tienen algún modelo dentro de la industria? Tanto en la música como en lo que respecta a manejar los negocios.
- En verdad no creo que ninguno de nosotros tenga un modelo. Por supuesto todos admiramos una larga lista de artistas por diferentes razones, excepto por nuestro cerebro Johnny Zero, cuya devoción hacia Iron Maiden es tan grande que creo que si alguien le hiciera decidir su manera de morir, ¡¡¡escogería ser comido por Eddie !!!

- No conocemos demasiadas bandas provenientes de Grecia. En este momento recuerdo a Rotting Christ y Astarte, pero ambos son actos más extremos. ¿Cómo es la escena metal por allá?
- ¡La escena metal en Grecia se está poblando bastante en verdad! La competencia se está haciendo más y más grande y esto es bueno, porque es muy beneficioso ver que los estándares mejoran. Estoy orgullosa de ver bandas talentosas golpeando la escena internacional. Después de Rotting Christ, Septic Flesh y Firewind, parece que está sucediendo bastante en Grecia. Aún es difícil superar ciertos obstáculos y destacar, pero todavía soy una romántica que cree que no importa las dificultades, siempre habrá espacio para trabajos bellos y gente talentosa.

- ¿Qué expectativas tienen como una nueva banda de gothic metal, un terreno que ha crecido un montón durante los últimos años?, ¿cuál es su fortaleza?
- De nuestra parte, lo que más esperamos es una gran cantidad de trabajo duro, para ser capaces de estar siempre orgullosos de la música que presentamos. Esperamos que “Silent Scream” sea un hermoso ingreso a la escena, pero, lo más importante, a los corazones de los auditores. Es difícil determinar cuál es nuestro plus como banda, eso debe decidirlo la audiencia. Para mí, nuestro plus es que lo que estamos haciendo es seguir nuestro sueño y somos los suficientemente apasionados como para seguirlo devotamente hasta el final.

- ¿Qué estás escuchando ahora?
- Siempre estoy escuchando toda clase de cosas y también el resto de Elysion. Tenemos la mente muy abierta respecto a la música. En este momento, entre otras cosas, estamos escuchando el nuevo álbum de nuestros Rotting Christ, “Aealo”, que salió recién y pensamos que es uno de sus mejores hasta ahora.

- ¡Muchas gracias! ¿Algunas palabras finales para los lectores?
- Me gustaría agradecer a todos en representación de Elysion, por aceptarnos y darnos un apoyo tan fuerte en nuestros primeros pasos. ¡Tenemos los dedos cruzados para muy pronto poder hacer una fecha en vivo con ustedes y hacerlos gritar con nosotros!

Escucha a Elysion en su Myspace.

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Los fanáticos chilenos son apasionados, bullangueros y cuando no consiguen bajar su nivel de agitación pueden transformarse en un fastidio. Así ocurrió durante el tremendo y esperado concierto ofrecido por la banda de death metal británica Benediction, que recibió lo mejor y lo más irritante de la audiencia local, al punto de advertir que tomarían un vuelo de regreso si el estrecho escenario del Rock & Guitarras se convertía en un paseo público.

El show partió tarde, bien para nosotros que íbamos con retraso después de habernos consumido en un tremendo taco en Paine. Solo alcancé a ver el final de Massacre, por lo que no opinaré respecto a su puesta en escena. Una vez terminado su show, aparecieron estos tipos serios instalando sus cosas, tarea en la que se tomaron bastante tiempo. Y bastó que tocaran el primer riff para darme cuenta de lo que venía: un sonido áspero y filudo paneado en ambas guitarras.

Comenzaron a sucederse los temas dejándonos gratamente satisfechos y el público empezó a manifestarse. Ya a la mitad del show y casi sin percatarme del tiempo transcurrido levanté la vista y vi como este trío de cuerdas daba una cátedra del mejor death metal inglés, ese con cortes bien demarcados como en “Nothing On The Inside” y “Suffering Feeds Me”, ultra heavys mezclados con ritmos sincopados del hardcore/punk. “Cogote de goma a full” en las palabras de un amigo.

En esos momentos todos disfrutaban ciento por ciento el recital. Por desgracia, algunos sujetos daban un triste espectáculo para los músicos y el resto del público. La buena disposición de la banda, que sostenía que todo fanático era bienvenido en el escenario mientras no interrumpiera el cometido de los músicos, se diluyó en la obstinación de no más de cinco individuos que subieron una y otra vez. Tanto, que el grupo debió pausar tres veces ya que estos tipos que se repetían el plato amenazaban la continuidad del show al cortar los cables, mojar las guitarras e intentar robar la polera a Dave Hunt en la mitad del clásico “Magnificant”, coreado por todos.

El calvo frontman terminó cediendo su atuendo y el fanático favorecido transformó el gesto en un amable intercambio que casi le cuesta la cabeza tras un ademán de golpe de bajo de Frank Healy, quien se notaba muy incómodo empujando a los intrusos fuera de las tablas. Una lástima para quienes disfrutábamos del concierto y veíamos como la banda le daba un par de vueltas al tema, se calmaba y retomaba la entrega. Sí, porque tras este inconveniente Benediction continuó interpretando con más energía e igual manejo. Y Hunt, mantenía esa voz potentísima.

Una banda de lujo que pisó nuestro territorio después de 24 años, como el vocalista repitió en un par de oportunidades. No quedamos indiferentes frente a tal magnitud de metal y tal cual indicó el intérprete, no deseamos que pase un número similar de años para que regresen a estas latitudes.

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Por Sergio Evans

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Es cierto que hacía exactamente dos semanas un terremoto había sacudido a nuestro país, dejando la destrucción y el desconsuelo que ya todos conocemos. Es cierto también que muchos espectáculos masivos fueron suspendidos, como una muestra de respeto por las víctimas y por quienes lo perdieron todo. Es probable que muchos fanáticos temieran por la realización de este concierto. Sin embargo, la banda cumplió con presentarse frente a sus miles de incondicionales seguidores, a pesar de los temblores que sintieron durante su estadía en Santiago y que los hicieron querer tomar el primer avión para salir de aquí.

Y es que un concierto de Dream Theater era una excelente manera de olvidar, aunque fuera por un par de horas, todos los temores y dolores de los últimos días. Un show que prometía virtuosismo y emoción, de la mano de la música de estos americanos que se presentaban por tercera vez en nuestro país.

La espera se hacía eterna. Pocos minutos antes de las 20.30, hora programada para el show, comenzaron a escucharse versiones acústicas de “As I Am” y “Pull Me Under”, que sorprendieron por la calidad de las grabaciones y que por supuesto fueron coreadas por toda la fanaticada, pero producían sentimientos encontrados pues significaba que esos dos clásicos no serían parte del setlist.

Las luces se apagaron cerca de las 20.35, en medio de los gritos de fervor de los fans y dejando escuchar los acordes de “A Nightmare To Remember”, el primer corte de su última placa “Black Clouds & Silver Linings”. Desde el principio, los músicos demuestran su increíble capacidad de interpretación, que se podía ver claramente en las tres pantallas gigantes dispuestas a los costados y detrás del escenario. Los solos hacen estallar el Movistar Arena en una ovación de admiración y asombro. “Santiago, are you ready for this?” grita Mike Portnoy desde su batería, antes de comenzar a cantar en medio de la euforia del público.

El show prosigue con “A Rite of Passage”, el segundo corte de la mencionada placa y que era la continuación lógica del concierto. Una cámara instalada en el borde del teclado de Rudess permite ver en las pantallas, con lujo de detalles, la velocidad con que este músico vuela sobre su instrumento; y la audiencia enloquece aún más cuando se muestra en paralelo al tecladista y a Petrucci demostrando su virtuosismo. Este último se queda en el escenario para interpretar un solo lleno de sentimiento que da paso a “Hollow Years”, que sería el tema más antiguo de toda la presentación. Aunque el álbum “Falling Into Infinity” parece ser uno de los menos famosos de la banda, el corte fue cantado y ovacionado por todos los asistentes.

Las pantallas muestran a continuación la animación de una especie de hechicero rodeado de un teclado circular, que se convierte en el contrincante de Jordan Rudess en una batalla virtual de solos de teclado… claro que, en realidad, Rudess competía consigo mismo, a través de este alquimista verde. Luego, tomando su controlador, se apropia del escenario y sigue deleitando con su interpretación. La capacidad musical de este neoyorquino, y también de sus compañeros de banda, es impresionante y mantiene a todo el público pendiente de cada nota y acorde que tocan.

La banda retorna a escena para continuar con el concierto junto a “Prophets of War”, del disco “Systemathic Chaos”, que el público canta a todo pulmón apoyado por la letra que se podía leer en las pantallas. James LaBrie se pasea de un lado al otro del escenario, demostrando cuánto disfrutaba de la euforia de sus fans. “¡Hola, Santiago!” saluda a sus seguidores, antes de presentar el corte “Wither”, que bajó un poco las revoluciones e hizo que el Arena se iluminara con las pantallas de los celulares y los encendedores infiltrados.

La banda necesitaba un descanso y se retira de escena, pero sólo por unos minutos pues el show debía continuar. Y lo hicieron de la mejor manera, con una tripleta del “Metropolis pt II: Scenes From a Memory”. Comenzando con la instrumental “The Dance of Eternity”, el grupo seguía demostrando que los años no parecen pasar sobre ellos, sino que, por el contrario, están cada vez más afiatados y tocando de manera más increíble (¿es eso posible?). “One Last Time” siguió de inmediato, provocando la fascinación de los asistentes que no paraban de cantar.

Pero sin duda la canción que venía, “The Spirit Carries On”, se convirtió en el momento más emotivo del show, ya que LaBrie la dedicó a nuestro país debido a “la tragedia que han vivido”. Posiblemente nunca una canción había sido interpretada con tanta fuerza, ni una letra había tenido tanto significado, y me atrevo a decir que a muchos se les puso la piel de gallina y hasta pueden haber derramado una lágrima. La canción que nos muestra lo pequeños que somos y que no sabemos qué hacemos en este mundo, pero que deja en claro que “luego de que nos hayamos ido, el espíritu continuará”. La intimidad que se sintió en el Movistar Arena fue sobrecogedora.

Pero el show no acababa ahí y siguió con “In The Name of God”. El público, incansable, continuaba saltando y cantando, fascinados con el despliegue de energía y virtuosismo que mostraban estos cinco músicos que se encuentran entre los mejores del mundo. Al finalizar, la banda agradece a los asistentes y se retira del escenario, pero nadie se mueve de su puesto y todos piden diferentes canciones para que la presentación continúe. Faltaba algún tema más antiguo, de los primeros discos, y posiblemente muchos esperaban oír “Caught in a Web” o “Metropolis pt I”.

El elegido fue el último corte de “Black Clouds & Silver Linings”, titulado “The Count of Tuscany”. Petrucci y Rudess se quedan solos en el escenario mientras las pantallas muestran miles de estrellas, en otro momento muy emotivo y armonioso. Como si el concierto estuviera recién comenzando, el público disfrutó cada acorde de este tema y lo cantó junto a la banda de principio a fin.

Luego de una hora 40 minutos de una impecable ejecución musical y de una casi palpable cercanía con el público, el show llegó a su fin, dejando la sensación de que se podrían haber tocado más canciones, pero con la satisfacción de haber asistido a uno de los espectáculos más virtuosos que se pueden ver. Dream Theater se despidió de sus fans en medio de una inacabable ovación (que continuó hasta la salida del Movistar Arena e incluso hasta el estacionamiento), demostrando una vez más que Chile es, sin duda, uno de sus lugares favoritos para tocar, y a pesar de todos los eventos recientes, nos entregaron un momento lleno de emoción, habilidad musical y deleite.

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Por Isabel Mallea
Fotos por Bianca Zapata

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Mientras unos no le pierden el paso a la tecnología del momento, otros caminan en la dirección opuesta. Fenriz, uno de los dos integrantes de Darkthrone, es de quienes se aferran a los viejos métodos. Recién adquirió un computador en 2005 y junto a su partner Nocturno Culto ha procurado que toda la producción discográfica de su banda conserve el sonido áspero y anti sintético que caracterizó la época análoga de los estudios.

Su último álbum es desde su propio título un llamado a cerrar filas y mirar con desprecio a los que cayeron en la seducción del plástico. Les llama traidores y asevera que no trascenderán. Aunque conserva el halo hermético, sarcástico y misántropo, este bastión del black noruego se refiere a “Circle The Wagons”, el disco que saldrá al mercado el próximo mes, la historia del movimiento que ayudó a fundar, su devoción por los bosques y por qué le gusta Pentagram.

Todo, en la siguiente exclusiva de Ciudad Metal.

- Darkthrone está a punto de lanzar un nuevo álbum en abril. ¿Qué podemos esperar de “Circle The Wagons”?, ¿la inspiración punk de los dos discos anteriores aún permanece?
- No en las canciones de Ted (Skjellum alias Nocturno Culto). Algunas de las mías tienen un poco, pero esto se debe a mi voz cuando canto limpio. La gente dice que es speed/heavy, pero si canto con voz fea en el mismo riff, ¡dicen que es punk! ¡Hahhaaha! Este álbum está muy en nuestro estilo de heavy metal/speed metal-punk. Las cuatro canciones de Ted están en el estilo 1970-1989 y las cinco mías en el de 1979 a 1985.

- ¿Cómo fue el proceso de composición y grabación para este disco?
- Como es usual, vamos al estudio y componemos (estudio portátil, todo lo hacemos nosotros mismos). Grabamos cada vez que cada uno de nosotros tiene un track listo. Luego repetimos esto cuatro o cinco veces en un año hasta que completamos un álbum. Los riffs deben estar en mi mente y ser fuertes. Habitualmente trabajo 23 meses en cada tema, dentro y fuera de mi cabeza.

- ¿Cómo operan siendo una banda de solo dos miembros, tú y Nocturno Culto?
- Somos multi-instrumentalistas, así que es fácil. Ambos conocemos todos los instrumentos y lo que cada canción necesita para ser grabada de forma cruda y rápida, con espíritu.

- Has declarado que no lees comentarios y no te interesa la opinión de la gente ni los medios. ¿Por qué?
- No, me preocupa DEMASIADO leer todas las sandeces. Quiero decir que escribo mis canciones, sé lo que son, y luego la gente está viéndolas de otra forma. Cuando digo que me gusta la serie Black Adder, no necesito la opinión de otra gente respecto a ello. Me gusta lo que me gusta.

- También te desagradan los shows en vivo. ¿Hay alguna posibilidad de que cambies de opinión para ofrecer al menos unas pocas presentaciones?
- Sí, para este álbum solo giraremos constantemente por Guatemala ¡¡hasta 2015!! ¡¡¡Woho!!!

“LA HISTORIA DEL BLACK PARECE
ESTAR ESCRITA POR PERDEDORES”

- Tomaste parte en “Until the Light Takes Us”, un documental sobre el black metal noruego y toda la controversia. ¿Qué puedes contar al respecto?
- Me convocaron en 2000 ó 2001 y accedí a ser filmado, porque me agradan Aaron y Audrey, los realizadores. Aparte de eso, no he visto nada de la película. No disfruto mirándome a mi mismo cuando estoy en TV o dando entrevistas.

- Has dicho que no simpatizas con la idea de aparecer en libros o documentales (y que tu palabra favorita es “no”). ¿Por qué aceptaste ser entrevistado para esta película?, ¿te gustó la mirada de los realizadores?
-Sí. Pero generalmente hablando ésta es una de mis citas: “La historia está escrita por los ganadores. La excepción a esa regla parece ser la historia del black metal, que parece estar escrita principalmente por perdedores”. Hahaha.

- ¿Por qué rehúsaste colaborar en “Lord of Chaos”, un libro sobre el mismo tema?, ¿lo leíste?
- No, pero sé que está distorsionado. No necesito un libro, SOY black metal y estuve allí. No hay película o libro que pueda crear el sentimiento black metal. Lemmy: “Todo el que necesita un libro es un tonto” (del álbum “Bomber”).

- Hagamos algo de historia. Trabajaste con Euronymous y Vark Vikernes, dos personajes centrales del movimiento. ¿Cómo fue esa experiencia y por qué piensas que la relación entre ambos terminó de manera trágica?
- Ellos fueron personajes centrales, ¿pero qué pasa con todos los ochenta en el resto del mundo? De allí es donde proviene la mayoría de mi inspiración. Entre 1981 y 1991 fueron los mejores años, ya que en ese tiempo no había lanzamientos de black metal que tuvieran un sonido más sucio u orgánico. Hasta el ‘93 fue motivante con bandas que todavía tenían un sonido crudo, como Von y Burzum. Aquellos que pulieron su sonido definitivamente destruyeron el black metal. Y ellos todavía son personajes principales. El black metal antiguo nunca muere y el nuevo álbum de Burzum está siendo aclamado por todo el planeta. ¡Sí!

- Varg Vikernes es tu amigo e incluso te regaló varias letras para dos álbumes de Darkthrone. ¿Cómo lo describirías? No parece fácil ser camarada de un hombre que mató a un compañero de banda, incendió iglesias y sigue el Nazismo.
-Hablo sobre mi mismo hasta cierto punto, pero no sobre otros. Esto es lo que está mal en la escena black metal después del ’93. Se convirtió en una reunión de mujeres para difamación y chismes más que para callarse y tocar música cruda. Varg y yo estamos en contacto amistoso y eso es todo.

- ¿Cómo te sientes respecto al lado negro del black metal? El nazismo y el nacionalismo detrás de algunas letras, la quema de iglesias y el hecho de que hoy parece estar de moda tocar black metal.
- Para mí fue moderno tocarlo desde 1993. Pero estás olvidando como las tendencias son diferentes en todas partes del mundo. En Occidente fue moda tocar thrash en 1986, pero en Polonia aún era fresco en 1991. Eso es algo que todos necesitan saber y siempre es así. Algunos países están en la vanguardia, otros están bastante más atrás. No me gusta enfocarme en los países, sino en las bandas, y cualquier banda que desafíe al resto de la tendencia que la rodea es un total dios. Como Pentagram, en Chile el ‘87.

- Solías trabajar en varios proyectos paralelos, pero ahora estás enfocado únicamente en Darkthrone. ¿Lanzarías un nuevo disco de Isengard, por ejemplo?
-Quizá, pero sería regresar al estilo de Isengard de 1989. Puro death metal en la onda de los demos de Immolation o como el primer álbum de Necrophagia o más folk rock. Perdí toda la fe en el folk metal después de haber terminado los dos álbumes de Isengard. Solo me gusta un puñado de tracks, como “Over De Syngende Øde Moer”. Pero Darkthrone y nuestros trabajos -¡hemos tenido empleos de clase trabajadora desde 1988!- nos toma la mayor parte del tiempo.

FENRIZ PRESENTA LA
BANDA DE LA SEMANA
- ¿Cómo ves la escena moderna de black metal, en Noruega y fuera de ella?
- No me interesa nada moderno en el metal. Todas las bandas de black metal que me han gustado tocaban música directamente influenciada por los ochenta. Me gustan muchas bandas nuevas, pero todas suenan realmente antiguas -Teitanblood, In Solitude, Vomitor de Australia, Old, Faustcoven, Orcustus, Power From Hell- y mientras respondo esta entrevista escucho los nuevos temas de Hell Darkness de Israel. Gran black metal.

- ¿Puedes percibir algo fresco en las nuevas bandas, especialmente de aquellas que vienen casi de todas partes del mundo?
- Por supuesto. Todos ustedes conocen mi blog de la Banda de la Semana, en el Myspace de Darkthrone. Es una nueva banda posteada cada seis días y el blog llega a 61 mil personas.

- ¿Es posible el surgimiento de un nuevo género, como el death y el black metal en los noventa?
- Espero que no. Quizá algún género de mierda para la gente que malentiende el metal y está preocupada del dinero. Para mí es todo lo mismo que siempre ha sido. Grandes bandas tocando al estilo de los setentas y ochentas, escuchando música anterior a esa.

COMPILACIONES, PESAS Y
EXCURSIONES COMPULSIVAS
- Hablabas de Myspace. Para alguien como tú, proveniente del movimiento de intercambio de cintas, ¿resulta gratificante este tipo de comunicación?
- Mientras sea comunicación en un solo sentido. Haha. Desde que era un niño pequeño siempre me gustó poner mi música fuerte (usalmente Uriah Heep en los setentas) y luego esconderme en mi habitación, para que las personas que visitaban a mi familia y más tarde los vecinos pudieran escuchar en lo que estaba. No me interesaba ningún tipo de comunicación, solo mostrar lo que me entusiasmaba. Así también con la Banda de la Semana, pero allí obtengo muchos buenos tips de otros, ya que los comentarios están pensados para ser informativos y no la habitual basura de los foros.

- He leído que te encanta hacer compilaciones. De hecho, has creado los recopilatorios “Trapped Under Vice” e incluso incluiste a Pentagram en el volumen I. ¿Puedes contarnos más de este hobby y por qué escogiste a esta banda chilena?
- Siempre tuve este hobby, pero se aceleró cuando compré un computador en 2005. Entonces todo fue hacer compilaciones. Conozco a Pentagram desde que ordené el 7″ por correo, en ’88 u ’89. Fue tan genial que lo pinté en la parte trasera de los jeans que tenía. (“Profaner”) Es uno de mis sencillos favoritos de metal de todos los tiempos, con un sentimiento tanto death, como thrash y black en él. De la manera en que me gusta, del mágico tiempo donde los géneros estaban INTERCONECTADOS.

- ¿Qué estás escuchando ahora?
- Oh, como dije, nuevos tracks de Hell Darkness (uno de los tipos detrás de los excelentes Tangorodrim), pero antes de eso escuché “Katy Lied”, de Steely Dan 1975, mientras limpiaba un poco mi departamento.

- ¿Podrías revelarnos algo que desconozcamos respecto a Fenriz?, ¿cómo es tu vida diaria, en qué trabajas, qué es lo disfrutas más aparte de la música?
- Siempre soy muy abierto respecto a mis intereses. No hay tiempo para muchas ocupaciones debido a que el trabajo diario y el trabajo de oficina de Darkthrone (como esta entrevista) absorben MUCHO tiempo. Desde 2007 me gusta mucho levanter pesas y no he parado de hacerlo. Me gusta escuchar metal y hardcore neoyorquino mientras lo hago. Nuevas bandas que escucho son Discipline de Holanda, algunos temas de Haggis, Champion, Inhuman, pero principalmente música antigua de la escena hardcore de los ochenta, cuando las letras eran tanto positivas como negativas. No letras distópicas del hardcore de los noventa. Eso es para otra generación, no la mía.

- Unos años atrás un canal noruego te dedicó un programa debido a tu pasión por la naturaleza, ¿con qué frecuencia vas a los bosques?
- Hehe. Oslo tiene 1600 kilómetros cuadrados de bosque alrededor. Uno puede hacer todo tipo de cosas de todas las maneras posibles durante todo el año. Incluso patinaje sobre hielo en aguas solitarias o kiting, pero no los practico, ni tampoco uso zapatos de nieve. Hago esquí cross country, bicicleta, excursiones diarias, camping. El año pasado establecí un récord en Oslo de 40 excursiones solo en carpa desde marzo a octubre. Pienso que la marca solo puede ser quebrada por alguien sin trabajo.

- Gracias por tu tiempo. Las últimas palabras son tuyas.
- Por favor visiten nuestro Myspace oficial y descubran todas las grandes bandas que están allí. Y no olviden escuchar hard rock, ¡¡¡gracias High Roller Records por editar tantos vinilos grandiosos!!! ¡¡Hail!! Gracias por usar tu tiempo en esta entrevista y gracias por leerla. UP THE IRONS!!!

Más información sobre lo nuevo de Darkthrone aquí.

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Sin un mínimo retraso respecto a la hora establecida se inició el show más esperado por todos los amantes del brutal death metal. Nada menos que los padres del estilo regresaban a presentarse ante sus seguidores chilenos y con una banda de semejante estatura la satisfacción está garantizada.

El Teatro Novedades se hallaba repleto de fans eufóricos que respondieron con efusión a los tracks que los estadounidenses interpretaron al mando de su vocal George “Corpsegrinder” Fisher, quien encendió cada vez más al público con su característica voz gutural extrema que no dejó a nadie impávido.

Cannibal Corpse preparó un tremendo setlist que bordeó los veinte temas, entre los que destacaron las canciones de su último disco que combinan una serie de elementos en los tempos, y naturalmente los clásicos enganchados al final del show ofreciendo una presentación muy completa, sin espacios ni descansos. Cannibal no dio tregua a sus fans y para el turno de “A Skull Full of Maggots”, “Hammer Smashed Face” y “Stripped, Raped and Strangled”, el sonido aplastante y los riffs con sonido californiano dejaban a los asistentes exhaustos y sin ese gusto a poco que a veces dejan otras bandas.

Eso sí, esta vez el teatro no ayudó a la definición que requiere un estilo como el brutal death metal. En otras oportunidades bandas similares han obtenido un sonido más apropiado, como también en varias ocasiones el público ha sido víctima de un rebote horrible que desdibuja detalles importantísimos, como sucedió en el caso de Cannibal. A ratos se ansiaba una batería más cercana y ni con tapones se conseguía la definición de los golpes de Paul ni los leads de Pat. Un dato importante para oídos más exigentes y para tener en cuenta en próximos eventos.

Más fotos en la galería.

Por Sergio Evans

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Modern Funeral Art está ad portas de un momento importante. Con una ecléctica nueva placa y un flamante contrato discográfico bajo el brazo, el retorno a las pistas con su alienación primigenia no podría lucir más auspicioso.

En una fase temprana de su carrera, el trío francés sufrió la partida de su guitarrista. Ello no interrumpió el trabajo creativo de la banda, que halló una salida ingeniosa para no reemplazar a quien además de músico, era un amigo. Pero ahora retornan en su forma original. “Doom With A View” es su segundo álbum, una pieza editada de manera independiente que recoge las influencias divergentes de sus integrantes, que cubren desde el gótico al black metal. El material, mezclado por el reconocido músico sueco Dan Swanö, les valió un contrato con el sello holandés Apollon Records.

Arnaud Spitz, voz y bajo, relata la historia de la banda, detalla sus referentes líricos y musicales y describe cada uno los temas que componen su producción más reciente.

- Modern Funeral Art nació hace más de una década, pero todavía no ha tenido la oportunidad de emerger del underground. Antes de hablar sobre el nuevo álbum, ¿puedes contarnos respecto a sus trabajos previos?
- “Almost Angels” fue nuestro primer y último demo. Lo grabamos en un estudio semiprofesional. Suena bastante bien para la época e incluso incluimos un cello de verdad en el tema que da nombre al trabajo. La alineación es la misma de hoy -excepto por los teclados que desaparecieron- y ya muestra de que se trata MFA. “Then Gateways Of Slumber” y “Hellfire” fueron materiales de transición. Nuestra guitarrista se había ido y nunca tuvimos la intención de reemplazarlo. Nuestro productor de varios años, Stefan Vanstaen, hizo la mayor parte de las guitarras en ambos. El resultado fue bueno y no pudo haber sido más pesado, pero con Pascal de regreso, el espíritu original de Modern Funeral Art ha nacido de nuevo, dándonos motivos para trabajar más duro que antes.

- ¿Cuáles han sido sus influencias durante estos años?
- Aunque somos los mejores amigos, tenemos influencias diferentes. Pascal (N’Guyen) y Benoit (Sangoï) gustan de la escena black, death y doom de Escandinavia. Carcass, Enperor y lo primero de Anathema, por mencionar algunos. Soy 10 años mayor y me gusta más el gótico y el cold wave de los setenta y ochenta, como Joy Division y Virgen Prunes. Es por eso que terminamos sonando como lo hacemos, mezclando música ultra pesada con voces oscuras y limpias. No sé si nos diferenciamos o si podemos ser comparados con Tiamat, In The Woods o Katatonia. Quizá The Vision Bleak esté más cerca de nosotros que cualquiera otra banda.

- En lo lírico parecen compartir un profundo interés por H.P. Lovecraft y Edgar Allan Poe.
- Sí, probablemente son mis dos influencias principales, aunque también podrías agregar a William Blake. “Gateways Of Slumber” es una cita de un poema de Lovecraft titulado “Nemesis”. Y por supuesto, escribí la canción “Lovecraft Was A Liar”, que puede ser interpretada de varias maneras. Ya sea considerando que Lovecraft mintió cuando escribió sobre Cthulhu o le mintió a sus amigos cuando le escribió que todas estas cosas no existían. Luego está Poe. “El Cuervo” me inspiró, y sobre todo Annabel Lee. Escribí “A Sepulchre By The Sea” (en “Hellfire”) como una respuesta a Annabel Lee. Ya conoces la historia. Annabel Lee y el narrador estaban enamorados, los ángeles estaban celosos e hicieron que la doncella muriera. En nuestra canción, uno de esos ángeles expresa sus sentimientos de tristeza y, aunque admite su culpa, demanda una sentencia menos severa debido a los atenuantes.

- ¿Se consideran una banda de doom?
- ¡Ni por un segundo! Amamos el doom, pero dudo que pertenezcamos a este género. No somos lo suficientemente lentos. Las voces son muy limpias y hay mucha melodía. Para mí es difícil describir el tipo de música que hacemos. Dark metal, goth metal, heavy death rock. Ciertamente venderíamos más discos si pudiésemos clasificarnos más fácilmente.

TEMA POR TEMA

“State Of The World”
“Pueden decir que es una declaración política, pero trata sobre lo que sucedió hace mil 500 años atrás, cuando Europa fue convertida al cristianismo, por fuerza o convicción, y las antiguas deidades paganas fueron dejadas de lado”.

“Sol Invictus”
“Es el mismo tema. La transición de un soleado valle pagano a una fría cueva cristiana. Escribí esta letra para un proyecto acústico paralelo en la línea de la banda Sol Invictus, pero pensé que calzaba con la música que Pascal y Benoit compusieron para esta canción”.

“Alexander”
“Es solo una canción más sobre Crowley, el ocultista, que cambió su nombre cristiano, Alexander, a Aleister. La canción principalmente trata de su infancia y años de formación. Ya sabes, es su propia madre la primera que lo llama La Bestia, Megatherion, 666 y todo es bastante cliché, como todo en Crowley, pero esa es la manera en que nos gusta nuestro metal”.

“Mary Jane Kelly”
“Jack El Destripador presumiblemente mató a cinco mujeres. Mary Nelly fue la quinta. La canción es sobre sus últimas palabras, o si lo prefieres, las primeras impresiones después que murió. Básicamente es una canción sobre una pobre mujer empujada hacia la muerte. Siendo honesto, está inspirada por “Luca”, de Suzanne Vega”.

“Dante In The Dusky Woods”
“Los intérpretes usualmente coinciden en que cuando Dante escribió sobre estar perdido en un bosque oscuro alegóricamente se refería al suicidio. Luego Dante fue guiado por el poeta romano Virgilio por los círculos del Infierno, las terrazas del Purgatorio y las esferas del Paraíso. No le doy esa chance. Virgilio no estuvo. En lugar de eso, le insto a seguirme hacia el anillo medio del séptimo círculo del Infierno, donde gobiernan las arpías. En otras palabras, a cometer suicidio. No me malinterpreten. No digo que el suicidio esté bien, es solo un juego, con dos personajes confrontándose”.

“Death Code Of The Devil Worshippers”
“Escribimos tres canciones diferentes y nos dimos cuenta que trataban sobre el mismo tema. Los satanistas adolescentes de los suburbios y su vida miserable. En los noventa solíamos escuchar mucho black metal, Emperor, Inmortal, incluso Burzum, Mayhem o Darkthrone, pero nunca los tomamos tan en serio. Nunca hicimos fiestas en cementerios, no profanamos tumbas. Para nosotros el black metal solo era diversión. Aunque obviamente hay adolescentes más débiles de mente. Tomaría horas comprender y explicar cómo y por qué se comenzó a considerar el black metal como una religión, una causa por la cual luchar y que terminó en el incendio de iglesias, abrir tumbas, y en casos extremos, apuñalar a sacerdotes, homosexuales o sus propios amigos adoradores del demonio. No pretendemos dar lecciones a nadie, pero miramos la escena black metal con un poco de ironía”.

“The Dance”
“La introducción de este tema debe ser el único momento puramente doom del álbum. La letra habla de las danzas macabras, que encuentras en Francia, Alemania, España e Italia, y el significado de estas representaciones medievales”.

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Si alguien por un momento había olvidado quién es Obituary, el quinteto de Florida en persona afirmó por qué es maestro en su estilo. En un show potentísimo, la banda ofreció su versión del death metal, una cargada de medios tempos transformados del thrash sumados a la desgarradora y particular voz de unos de los fundadores del género en Estados Unidos.

El show comenzó con la presentación de la banda local Orategod, que abrió para el público que a esa hora se instalaba en el Rock & Guitarras, aunque todavía una gran cantidad de asistentes deambulaba en los alrededores. Una actuación sólida que demuestra que el trabajo y la persistencia rinden frutos.

Obituary apareció en el escenario con un retraso de casi media hora. La temperatura reventaba el lugar, que se hizo incómodo para el público y la propia banda que apenas podía desplazarse sobre el escenario, cuya única ventaja es que admite una cercanía que difícilmente se experimenta en otros recintos. “List Of Dead” anuncia lo que será la jornada, con un sonido aplastante, pero aún así entendible y una batería muy definida. Le seguirían clásicos del disco “Cause Of Death” que dejarían estrujando las poleras a la fanaticada más fiel del death metal que se transformó en una masa al son de los cortes que venían.

No pudo dejar de llamarme la atención la performance de John Tardy, a quien noté preocupado, ido, aunque sin dejar de lado una entrega vocal del ciento por ciento. Ni tampoco un polerón que vistió estoico en medio del calor inhumano que se vivía dentro del local. Trevor, por su parte, demostraba cuanto peso tiene en la creación y dejaba claro que es fanático de las stratocaster. Destacadísimo el trabajo del bajista Terry Butler (Death/Six Feet Under) quien potencia los temas con la solidez que se necesita para una performance en vivo.

La primera guitarra, y como lo es ya desde 2007, está a cargo del conocido maestro Ralph Santolla, quien manejó el show con propiedad como si fuese el miembro más antiguo de la banda. Es que el tipo tiene oficio y llamó al público a cantar, saltar y gritar por Obituary. Cuando vino el corte había transcurrido exactamente una hora de recital. La verdad es que pasó muy rápido y faltaban muchos temas. Tras unos minutos entra Donald para hacer un solo de batería y dar inicio a la última parte del show con un público cada vez mas enganchado, al punto de desbordarse al escenario. Era la hora del “Slowly We Rot”. El anuncio del tema ya nos dejaba con ganas de más, pero esta interpretación en una versión aun más densa y desgarradora en las guitarras cerraba todo y a descansar. La banda se despidió fugazmente del público e incluso John abandonaba antes el escenario.

Un gran show que dejó en claro una vez más el poder del death metal de Florida, con ese toque que los diferencia de otras agrupaciones. Encierro este show, más los de Entombed y Malevolent Creation en un mismo baúl de los recuerdos. Para no olvidar.

Más fotos en la galería.

Por Sergio Evans

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Una española de voz angelical viene decidida a romper el estigma de Sirenia. La banda creada por Morten Veland luego de migrar de Tristania ostenta el récord de contar con casi el mismo número de álbumes que de vocalistas. Pero la cuarta cantante en la historia de los noruegos -le precedieron Fabienne Gondamin, Henriette Bordvik y Monika Pedersen- confía en que llegó a ocupar el puesto de modo definitivo y así se lo aseguró al líder del grupo.

En las siguientes líneas, Pilar Jiménez García, “Ailyn”, recrea el período de audiciones, la incorporación a Sirenia y el nerviosismo de las primeras presentaciones. Todo ello sin una experiencia ante grandes audiencias y con un escaso dominio del inglés. La intérprete también se refiere a su paso por una banda de J-pop, su intervención en un reality show que buscaba nuevos talentos musicales y la desazón que le causó al baterista Jonathan Pérez saber que no habría fecha en su patria.

- Aunque tienes una formación en canto, nunca habías participado de un grupo de metal, ¿por qué decidiste audicionar para el puesto de vocalista de Sirenia?
- No tengo formación de canto. Cuando tenía 15 años mi madre me apuntó a una escuela de música para que tomara lecciones de canto, pero por motivos personales no pude estar durante mucho tiempo. Sobre audicionar para Sirenia, un día ellos se pusieron en contacto conmigo por si quería hacer las audiciones para ser la nueva vocalista. Me gustaría poder decir que los conocía de antes, pero no es el caso, así que estuve mirando sus videos y escuchando su música y me pareció una muy buena banda, por lo que les dije que sí.

- ¿Cómo fue ese proceso: de qué manera supiste que buscaban a una nueva cantante, enviaste un mp3 con tus voces, en qué circunstancias conociste a Morten Veland y cuándo te enteraste de que eras la elegida?
- No lo sabía. Mi hermana los agregó desde mi Myspace oficial y allí yo tenía algunos covers y algún video, les gusté y me llamaron. Conocí a Morten Veland en el aeropuerto cuando vino a buscarme ya que me iba a quedar unos días en su casa con él y su mujer ya que la audición la tenía que hacer en el estudio que él tiene en su propia casa. Me enteré de que era la elegida creo que una o dos semanas antes de que se anunciara oficialmente, ahora no recuerdo bien.

- Háblanos de la grabación de “The 13th Floor”. ¿El álbum estaba maquetado y solo faltaba que colocaras las voces?, ¿cuál piensas fue tu aporte a ese registro?
- Cuando me incorporé a la banda estaba casi todo el trabajo hecho, solo faltaban unos últimos arreglos, grabar mis voces y los coros de Sirenia. Mi aporte podría ser la dulzura de mi voz.

- ¿Cómo ha sido trabajar junto a Morten Veland, a quien se le sindica como un sujeto muy perfeccionista en cada uno de los proyectos musicales que encabeza?
- Trabajar con Morten es siempre muy divertido. Se lo conoce por lo perfeccionista que es, pero no tengo ningún problema ya que yo soy igual de perfeccionista, así que cuando nos ponemos a grabar, no paramos hasta que los dos estamos contentos con el resultado.

“AUDICIONÉ SABIENDO
DECIR HELLO Y POCO MÁS”

- ¿Qué recuerdos tienes de los primeros conciertos y la reacción del público a, otra vez, una nueva vocalista?
- De los primeros conciertos, recuerdo que estaba muy nerviosa. No tenía mucha experiencia en los escenarios. Sé que la gente piensa que sí, porque había participado en un programa de TV, pero fueron solo cuatro programas donde de público solo había unas 400 personas a las que casi no veías porque todo estaba muy oscuro, así que cuando llegué al Masters Of Rock me temblaban las piernas, hasta llegué a pensar que me iba a caer de lo que me temblaban (ríe). También lo recuerdo con mucho cariño y sobre todo la sensación de cantar arropada con todo el apoyo de una banda.

- Mirando el foro de Sirenia, dos de las críticas que los fans te hacen son que no provienes del ambiente metalero -cantaste en un grupo de J-pop e incluso participaste de un programa de telerrealidad- y que tu inglés no es muy fluido, ¿cómo respondes a esos comentarios?
- Ya es algo que con el tiempo me ha dejado de preocupar. Llevo años escuchando música metal, desde los 16, puede que la gente lo crea o no, pero es cierto. Sí, canté en un grupo de J-pop y también participé en un reality show, pero lo que no llego a entender es qué problema hay en eso. Cada uno intenta buscar oportunidades en el mundo de la música y tiene que trabajar con lo que la vida le ofrece. ¿Qué importa que cantara música pop u otros estilos? Si ahora me dijeran que cualquiera de las grandes en el metal canta pop la verdad es que no me importaría. Además yo creo que lo que importa es si la gente está contenta con mi trabajo en Sirenia, lo demás no es importante.
Sobre mi inglés, cuando entré a formar parte de la banda, yo casi no hablaba inglés. Es más, me presenté a las audiciones sabiendo decir “Hello” y poco más, por lo que pensé que ni siquiera me iban a coger. La gente me ha criticado mucho por lo del inglés, pero opino como mi banda, el idioma es algo que con el tiempo se aprende y si ellos están contentos y me animan, yo también estoy contenta. Además las críticas ya me las esperaba ya que cuando empecé con Sirenia era el reemplazo de una cantante, y Sirenia ha contado con tres voces antes que conmigo, así que no me sorprendió mucho ya que cada persona tiene a su favorita.

- ¿Te ha sido fácil o complicado interpretar temas que fueron creados para que otras personas los cantaran?
- No, no me es difícil interpretar los temas más antiguos de la banda. Morten ya se encargó de buscar a una cantante que pudiera hacerlo sin problemas y aunque la gente pueda opinar lo contrario, las cuatro vocalistas de Sirenia, aunque nuestras voces no son iguales, tenemos un color de voz bastante parecido.

- ¿Cuáles son tus canciones favoritas y por qué, tanto de “The 13th Floor” como de sus antecesores?
- Me gustan mucho “The Seventh Summer”, “The Mind Maelstrom”, “Downfall”, “The Other Side”, “Save Me From Myself”, “Star Crossed”, “Lithium And A Lover”, “On The Wane”, “At Sixes And Sevens”. Pongo estas por decir algunas, aunque sinceramente me gustan todas. El porqué me gustan lo dejo entre Morten y yo.

“ME SORPRENDIÓ MUCHO
SABER QUE NO ÍBAMOS A CHILE”
- Sirenia tiene casi tantos álbumes como cantantes, ¿crees que vienes a ocupar el puesto de modo definitivo?
- ¡¡¡Por supuesto que vine para quedarme!!! Ya cuando hice las audiciones, una de las primeras cosas que me comentaron era que ellos buscaban una cantante para muchos años. Además, ya estamos trabajando en lo que será nuestro nuevo álbum, con lo que por fin podremos acabar con lo que la gente llama la maldición de Sirenia, lo de una cantante por cada álbum.

- ¿Qué tanto ha cambiado tu vida desde que ingresaste a Sirenia?
- La verdad es que mi vida no ha cambiado mucho, de momento sigo viviendo en España, aunque tengo pensado desde hace tiempo el mudarme a Noruega definitivamente ya que me paso más tiempo allí que en mi casa. Para ensayar simplemente tengo que coger un avión y pasar unos días allí con los chicos, no creo que la distancia sea un problema.

En el set para la grabación del video "The Path To Decay".

- El baterista Jonathan Pérez es chileno, ¿te ha resultado más fácil establecer amistad con él que con los otros miembros de Sirenia, ya que ambos son latinos?
- Por supuesto que en un principio para mi fue un alivio saber que él hablaba español ya que yo apenas sabía nada de inglés, pero me llevo igual de bien con todos. Cuando entré en Sirenia, aparte de conseguir tres amigos, conseguí tres hermanos.

- Este año cruzan el Atlántico para tocar por primera vez en Sudamérica, ¿sientes una conexión especial con este territorio por el hecho de compartir el mismo idioma?
- La verdad es que es mucho más fácil viajar a un país donde todo el mundo habla tu idioma. Siempre es estupendo viajar a todos los países ya tenga que hablar inglés o español, pero no hace mucho que empecé a hablar inglés por lo que siempre tengo que estar muy concentrada para entender a la gente cuando me hablan muy deprisa. Es un alivio viajar y poder estar relajada ya que sé que voy a poder entender a todo el mundo.

- ¿Por qué no se concretó una fecha en Chile? Parece un tanto incomprensible, porque es casi una escala obligada en tours sudamericanos y también porque bandas con menos discografía ya nos han visitado.
- Realmente no sé lo que pasó. Sé que ese tema lo llevan los promotores del país, pero no sé cual fue el problema para que al final no se decidieran a llevarnos. A nosotros nos sorprendió muchísimo el saber que no íbamos a ir ya que aunque no estaba anunciado, contábamos con que Chile iba a ser la última fecha del tour. Nos apenó muchísimo el enterarnos que al final no iríamos. Además Jonathan es chileno y fue un duro golpe para él el enterarse de que al final ninguna fecha sería allí.

- ¿Podrías recomendar algunos discos?, ¿qué llevas en tu reproductor personal en este momento?
- En casa tengo muchísima música. En mi mp3 suelo llevar todo lo que me gusta, Kamelot, Alice In Chains, Sarah Brightman, Megadeth, Josh Groban, AC/DC, Within Temptation, Aerosmith, por poner algún ejemplo. Llevo muchísima más música, creo que quizás llevo algo de todos los estilos y voy escuchando una banda u otra dependiendo de mi estado de ánimo.

- Muchas gracias por tu tiempo, ¿algunas palabras finales para los lectores de Ciudad Metal?
- Gracias de todo corazón por todo el apoyo que nos han dado y el que nos siguen dando. Esperamos poder pasar por Chile en un futuro no muy lejano. ¡¡¡Saludos!!!!

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Incluso Metallica merece el beneficio de la duda. Aún cuando hayan editado varios álbumes prescindibles y fraccionaran a sus fanáticos entre los radicales que sólo escuchan los discos previos a su placa homónima y aquellos que conservaron a los estadounidenses en el tope de sus favoritos. O bien entre los que advirtieron una codicia que bordeaba el pecado en el litigio contra Napster, entonces fustigando la incipiente descarga de música desde Internet, y los que se cuadraron con la banda.

Porque Metallica reúne casi todos los ingredientes requeridos para conquistar a una amplia audiencia. Una cartera de temas para completar dos horas de show construido a fuerza de puros clásicos, un despliegue escénico con pirotecnia y llamaradas, un sonido arrollador y varios años en el ruedo. Pero no parece suficiente. Los cuatro jinetes extraviaron algo en la ruta. Fieles a una mecánica según la cual todo se transa, olvidaron la mística, la complicidad y definitivamente la inocencia.

La banda forma parte de un pequeño núcleo que traspasó los deslindes del underground para convertirse en un número que concita el interés de la prensa tradicional y gentes con reproductores en los que Metallica aparece como el estilo más extremo. Visto así, el del martes 26 de enero fue un concierto que cumplió con las expectativas trazadas. Un recinto atestado de fanáticos y una banda que salió a escena asestando golpes certeros a los seguidores de su repertorio más reconocido.

A estas alturas de la mega industria en que se ha convertido Metallica quizá sea de un romanticismo anacrónico exigir que Ulrich y compañía conserven una pizca de pasión por la actividad que les permitió alcanzar su actual estándar de vida. En pedir no hay engaño asevera un adagio popular. Su show huele a simple trámite. Ni las palabras de buena crianza de James Hetfield respecto al público nacional ni Lars Ulrich gesticulando como maniático y sudando de manera profusa desde la silla de batería de la que se levantaba de tanto en tanto parecieron expresiones genuinas de conexión entre músicos y audiencia. En algún instante pareció que lo único capaz de inflamar el espíritu de los cuatro intérpretes eran las sendas hogueras dispuestas a cada lado del escenario.

Por cierto es una opinión muy personal. Imagino que nadie que desembolsó noventa mil pesos para hacer headbanging desde una localidad VIP abandonó las dependencias del Club Hípico experimentando desilusión. O al menos comentándola a viva voz. Las distintas generaciones que confluyeron en el espectáculo, entre ellas la de una abuela que paseaba por la cancha preferencial, disfrutaron cada minuto del recital. Uno que alcanzó su clímax dramático con la interpretación de “Master of Puppets” y “Fight Fire With Fire”.

La tercera visita de Metallica a territorio chileno satisfizo a los asistentes al concierto y en cierto modo corroboró las razones a las que apelaron quienes hicieron un paso al lado cuando el gigante corrompió su alma.

Setlist

Creeping Death
For Whom The Bell Tolls
The Four Horsemen
Harvester Of Sorrow
Fade To Black
That Was Just Your Life
The End Of The Line
Sad But True
Broken
Beat And Scarred
Cyanide
One
Master Of Puppets
Fight Fire With Fire
Nothing Else Matters
Enter Sandman
Encore
Blitzkrieg (cover)
Whiplash
Seek & Destroy

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Fotos por Álvaro Pruneda. Gentileza T4F.

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Y todas las tribulaciones de los fanáticos recibieron su recompensa. Deicide saldó su abultada deuda con el público chileno, que aún tras repetidas cancelaciones por motivos de diversa índole jamás perdió la pasión ni la confianza. Organizar tours no es una ciencia exacta, comentaba Glen Benton en una entrevista concedida a Ciudad Metal días antes de aterrizar en suelo santiaguino, y su banda parecía cargar con un denso karma que tuvo a sus seguidores con los nervios de punta hasta último minuto.

Ya en el Teatro Novedades, Deicide asomó al escenario con media hora de retraso. En su repertorio, la banda estadounidense cubrió la mayor parte de su discografía y dentro de ella los temas más populares, como “Dead By Dawn”, “Once Upon The Cross”, “Scars Of The Crucifix”, “Sacrificial Suicide”, “Homege For Satan”, “Trifixion”, “Oblivious To Evil”, “Lunatic Of God´s Creation” y “Bastard Of Christ”. Pero las interpretaciones que provocaron mayor grado de euforia entre los fans fueron “Holy Deception” y “Death To Jesus”, aunque este corte registró el sonido más deficiente del show, porque la dupla de guitarristas no logró definir sus riffs.

A mitad del concierto, Glen Benton manifestó su aprecio hacia la audiencia desplegando una bandera chilena. Los fans reaccionaron mencionando el nombre del artista y éste replicó friccionando el pabellón por su cara, cuello y brazos. El inusitado comportamiento causó un enojo mayoritario expresado en silbidos, pero también arrancó aplausos en un sector del público. El recital se extendió sin pausas por una hora y 10 minutos. No hubo retornos, aunque los asistentes pedían un poco más.

Nota: Agradecimientos a Necrobar por su atención y buena onda.

Más fotos en la galería.

Por Claudia Galdames
Fotos por Bianca Zapata

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Rolando Ramos, locutor y melómano, debuta como director de un centro de formación académica. Pero el suyo no es uno convencional, sino la naciente incubadora de talentos Dragonworks, una escuela de rock que con aportes de la Corporación de Fomento de la Producción (CORFO) pretende entregar los conocimientos necesarios para cumplir el sueño de la mayoría de quienes hacen rock: vivir exclusivamente de la música.

Como no ocurre en un conservatorio o al interior de una facultad universitaria, Dragonworks orienta su quehacer a las facetas anexas a la ejecución misma. “Tenemos mucho talento, pero pocos saben cómo administrarlo y sacarle provecho. En otras palabras vivir del rock”, asevera Ramos. “No he podido encontrar un centro de formación musical donde el énfasis este puesto en la gestión y management. Esa es nuestra diferencia y fortaleza. La gestión del talento”.

La visión pedagógica se plasma en talleres de Management, Producción de Eventos y Protools, entre otros, además de la vedette de la escuela: el Diplomado de Administración, Gestión y Producción de Bandas. Este programa de tres semestres de 80 horas académicas cada uno concluye con la grabación de un disco, la elaboración del arte y la obtención del know-how respecto a gestión del producto en Chile y el exterior. La malla completa de asignaturas estará disponible en la web el 18 de enero.

Voodoo Zombie en el lanzamiento de Dragonworks.

- ¿Crees que las universidades y las escuelas de música han fracasado en la entrega de herramientas que permitan a sus egresados vivir efectivamente de lo que estudiaron?
- No, solo que se han focalizado en lo técnico, en la formación de músicos, buenos músicos. Me imagino que suponen que la gestión y cómo el músico comercialice su talento es problema del músico. Y ahí estamos nosotros para capacitarlos. Pasa con cualquier carrera. El profesional debe especializarse obtener un post grado o un magíster. Así está la competencia. Camarón que se duerme…

- Dragonworks propone una visión integral de banda, una en la que no solo importa cómo suenen, sino también su posicionamiento en los medios y el manejo empresarial, ¿piensas que la falta de una mirada global ha derivado en la escasa repercusión internacional del rock y en particular el metal hecho en Chile?
- No, solo que, posiblemente, muchos músicos no saben administrar las herramientas que la globalización te da -Internet- y atención que hay varias bandas nacionales de metal que han logrado comercializar su música en otras geografías. Muchos piensan que con Facebook, Myspace o Youtube basta. Hay que saber de marketing de redes, de gestión cultural y ventas. Muchos músicos nacionales están dispuestos a conquistar otros mercados, eso te lo aseguro. La pregunta es ¿cómo?

- Al entregar un combo de conocimientos técnicos en sonido, management y producción audiovisual, ¿las bandas podrían caer en la tentación de creer que esto funciona como una fórmula mágica que sí o sí los llevará al estrellato?
- Puede ser. Lo que si prometemos es que el músico finalmente entenderá que el camino a la fama es largo y requiere de mucho trabajo, dedicación, educación e inversión de parte de la banda y, sobre todo, actitud y personalidad.

- ¿Cómo ves la escena chilena en cuanto a potencial?, ¿hay propuestas diferentes, con identidad y personalidad como para conquistar otros mercados?
- Absolutamente. Por talento no nos quedamos. Hay de sobra, solo falta profesionalizarlo y hacer de la autogestión una industria capaz de generar dinero, empleos y futuro.

- Muchas gracias por tu tiempo. Dejo este espacio para que invites a los lectores a acercarse a Dragonworks.
- Gracias a ustedes por la oportunidad de comunicar nuestra apuesta y visión y aprovecho de invitar a los músicos que realmente quieren vivir del rock a invertir en su talento. Todo proyecto que uno emprenda en la vida necesita de inversión, de tiempo y dedicación. No pierdas más el tiempo, invierte en tu talento. Aprende a vivir del rock. Visítanos sin compromiso www.dragonworkstudio.com

El Cruce, tocando en una de las salas de la escuela.

Fotografías gentileza de MG Comunicación Global

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